La Improvisación

La improvisación es toda expresión musical espontánea. Puede ser libre o estar sujeta a reglas en mayor o menor medida.

Se dice que puede ser desencadenada por estímulos musicales o extramusicales. Los primeros irían relacionados con elementos musicales pero los segundos, mucho más ambiguos, dependerían de ideas, sentimientos, formas, dibujos, colores, expresiones...

Aunque la música sea un arte, puede ser considerada una ciencia en el sentido de que está sujeta a unas reglas matemáticas exactas, que se innovan y evolucionan continuamente, donde tu puedes formular una hipótesis y comprobar si es matemáticamente posible según el sistema musical, aun que claro, el propio sistema es fruto de romper las reglas, por eso no deja de ser un arte.

La improvisación, como decíamos, siempre sigue unas pautas marcadas, todos los músicos de una jam de blues siguen el mismo compás, el mismo tempo, y el mismo tono, y si desean sacar algo realmente coherente el mismo cifrado armónico, dejando a la interpretación las melodías instrumentales de guitarra, voz, armónica, trompeta... Sin embargo estos instrumentos se ciñen a unas escalas y parten de ideas predefinidas, modelos, licks, clichés y demás ideas que son fruto de la extrapolación de su cultura musical en el estilo. Está todo pensado, señores, la magia reside en que el público no se da cuenta.

Improvisación y educación pueden ir de la mano. El lenguaje de la música desarrolla capacidades e interioriza destrezas importantes. La libre expresión que da la improvisación es un objeto lúdico de proporciones hercúleas para un niño de 6 o 7 años. Es en la adolescencia cuando se intentan repetir patrones ya creados, especializados, para después necesitar mayor independencia.

En el aula la improvisación puede ser un juego, guiada o no por el maestro. Puede trabajar objetos musicales o extramusicales, ser en grupos grandes o pequeños, y buscar un objetivo concreto como una exploración de un instrumento o del sonido del propio cuerpo o no tener objetivo fijo. Improvisar es sinónimo de juego, aunque debe ir adaptado al nivel, edad y formación del grupo o alumnos.

La permisividad de la libre expresión para el desarrollo cognitivo y de personalidad de los niños es primordial. Hay que incentivarlos para que exploren su realidad a través de la música, con naturalidad.

Puede resultar una herramienta muy poderosa ante niños con problemas de comunicación, tímidos o que les cueste expresarse, ya que la improvisación da rienda suelta al lenguaje de la música, que no difiere tanto del hablado y social.

En la pedagogía clásica la música se centraba demasiado en la interpretación y en la técnica, lo cual acaba por matar al músico. Hoy en día se aboga por una pedagogía donde el papel creador es prioritario, una responsabilidad colectiva del músico. Numerosos autores han contribuido a la pedagogía musical, podemos destacar a Carl Orff, Emile Jaques-Dalcroze o Maurice Maretnot.

Todas las conclusiones que saquemos en la música pueden extrapolarse a la danza, la expresión corporal y las técnicas de movimiento, la creatividad se desarrolla siempre.

La improvisación siempre ha estado presente en la música. Hasta el romanticismo era práctica habitual, después ganó complejidad técnica, haciendo demasiado difícil la improvisación con aquellas pautas musicales tan técnicas.

A partir de los años 50 hay un hundimiento a nivel técnico tremendo. La música se populariza, ya no está al alcance de unos pocos privilegiados, compositores, si no que se mezcla con la música popular o étnica, englobando a una gran comunidad de músicos con mayor o menor nivel, con la correspondiente simplificación de las estructuras y técnicas musicales. Es donde surge el Blues, y con él, el Rockabilly para dar fruto al Rock'n'Roll clásico, musicalmente incorrecto desde el punto de vista clásico pero generador de una cultura increíble.

Con el paso del tiempo y el asentamiento de las carreras musicales como estudios respetados y reconocidos en todo el mundo, en especial en el norte de Europa, la música ha evolucionado en dos vertientes, una sin improvisación, comercial, en la que hay un intérprete que no tiene por que tener formación musical que interpreta las composiciones que han creado para él, poniendo sólo la imagen, puede ser un ejemplo del Pop o el R&B . Y la otra vertiente, innovando en la música, siguiendo patrones más clasicistas, creando estilos cada vez más técnicos y depurados como ocurría antaño, quedando en segundo plano del mercado capitalista actual. Es el ejemplo del Power y Death metal cultivado en los países nórdicos, donde ser músico o ser maestro está tan reconocido como ser médico o ingeniero. A años luz queda España...

Teoría I

FIGURAS RÍTMICAS:

Las figuras rítmicas son las unidades de medición temporal de la música de forma relativa, ya que dependen de los compases y del tempo para relacionarlas con la medición de nuestro tiempo (minutos, segundos...).

Son, por orden de más larga a más corta:

Redonda, Blanca, Negra, Corchea, Semicorchea, Fusa y Semifusa.

No podemos saber cuánto mide una Negra ni como funciona en la canción sin conocer el tempo y el compás de contexto, pero sabemos que mide la mitad de una blanca y el doble de una corchea.

Como apunte podemos añadir que antiguamente existían dos más (dentro de esta medición concreta); la Cuadrada, más larga que la Redonda y la Garrapatea, más corta que la Semifusa.

COMPASES:

Los compases definen la cadencia de la música. Los usamos para establecer las reglas de estructuración de toda la pieza musical o canción.

Existen. en teoría, 3 tipos: Simples o de Subdivisión Binaria, Compuestos o de Subdivisión ternaria, y las amalgamas de compás o compases irregulares. Estudiaremos sólo los dos primeros.

A grandes rasgos, dentro de cada una de las dos clases, podemos distinguir binarios, ternarios y cuaternarios, haciendo referencia al numero de partes o pulsos que lo componen. En el caso de la subdivisión binaria esto coincide con el numerador.

El denominador hace referencia la figura que llena cada parte o fracción, siendo el 4 la negra, el 8 la corchea, el 2 la blanca, etc... En los compases de subdivisión ternaria es algo más complejo, por que aun que tengan una división en partes como tal, funcionan por fraccionamiento; Por ejemplo un 6/8 haría referencia a 6 fracciones divididas en 2 partes (es de tipo binario y de subdivisión ternaria), donde cada fracción queda llenada por una corchea, y una negra con puntillo (negra y media) llenaría la parte.

Los compases más comunes son, para S. Binaria: 2/2, 2/4, 3/4, 4/4, 4/8
Para S. Ternaria: 6/8, 9/8, 12/8
Algunos ejemplos de compases de amalgama: 5/4, 17/16

Siendo el 4/4, el 6/8 y el 12/8 los más usados.

EL PENTAGRAMA:

El pentagrama es la forma de representar gráficamente la música, tanto los sonidos como su duración, a la vez que da instrucciones sobre su interpretación y expresión.

Está formado por 5 líneas y 4 espacios, aun que pueden representarse notas en líneas adicionales por encima y por debajo. Qué notas correspondan a cada línea o espacio lo determina la clave.

El compás es universal, como las matemáticas, siendo su lenguaje leído e interpretado por todas las culturas occidentales.

Suele estar dividido en compases, los cuales están definidos por el compás (sea 4/4 o el que sea). Y puede contener elementos que alteren la armonía, el ritmo o la expresión que duren un solo compás o todo el tema.

Su representación ha ido cambiando mucho a lo largo de los años, añadiéndose y quitándose líneas, cambiando su forma de interpretarse. Como ejemplo podemos comentar que el compás de 4/4 se representaba en los pentagramas como una "C" tachada, para ahorrar tinta en las plumas, supongo.

LAS CLAVES:

Existen tres tipos de claves, que pueden moverse por el pentagrama. Son la de Sol, la de Fa y la de Do. Y las dos más comunes son la de Sol en segunda y la de Fa en cuarta.

La primera corresponde a instrumentos o voces agudas, entre ellas la mano derecha del piano. La de Fa corresponde a registros graves, entre ellos la izquierda del piano.

 

Donde se colocan en el pentagrama indican que ahí va esa nota, y por consiguiente las análogas a su alrededor, siguiendo la escala Do Re Mi Fa Sol La Si, ascendiendo y descendiendo, representándose el resto de sonidos de los 12 con alteraciones, sostenido y bemol.

La mayoría de los instrumentos tocan en la clave de Sol, siendo los graves los que actuarían en Fa, como el contrabajo, el bajo eléctrico, la parte grave del arpa, etc... y algunos como la viola, el oboe o quizá el fagot (instrumentos contraltos o tenores) usarían la clave de Do.

Algunas de ellas han quedado en desuso con el paso de los años.

ALTERACIONES:

Distinguimos tres tipos de alteraciones según su uso. Aun que la teoría de su funcionamiento es el mismo para todas. Los tres tipos serían Armaduras o alteraciones propias, alteraciones accidentales (a lo largo del pentagrama) y alteraciones de precaución.

 

Son tres, el sostenido "#" el cual aumenta un semitono a la nota, el bemol "b" el cual resta un semitono a la nota y el becuadro (un cuadrado con dos palos) que anula los efectos de los anteriores en el ámbito de un compás concreto.

Se basan en el tono y semitono, paradigma de toda la armonía del sistema occidental de música. En esencia este viene a decir que existen 12 sonidos, de los cuales 7 son naturales (do re mi fa sol la si). Entre esos 7 naturales las notas distan siempre 1 tono, el cual es la unidad de medida de la música (como el metro es la de la distancia), esto pasa con todas excepto entre las notas mi-fa y si-do las cuales distan un semitono, o medio tono. El resto de notas que distan un tono tendrían entre medias una nota adicional, no natural, la cual coge su nombre de la siguiente o anterior pero con la alteración. Por ejemplo entre Do y Re habría Do# y Reb, que para instrumentos bien temperados como el piano son exactamente la misma nota solo que con diferente nombre, a eso le llamamos en armonía.

El rango de uso es el siguiente:

Las armaduras definen la tonalidad y modalidad de la canción (en teoría esta podría ser 7 simultáneas, pero con la misma dotación de alteraciones y diferente tónica), se colocan al principio del pentagrama y afectan a toda la pieza. Su orden siempre es FA DO SOL RE LA MI SI para sostenidos y el contrario para bemoles.

Las alteraciones accidentales se colocan en un punto del pentagrama concreto, afectando a todas las notas del mismo nombre desde el punto en el que son colocadas hasta el final del compás. Los becuadros anularían el efecto de estas y de las anteriores.

CAMBIOS DE RITMO:
Ligadura de articulación:
Suma los valores rítmicos de dos o más notas, se puede usar entre compases. Se representa como una linea curva uniendo las cabezas de las notas. Es evidente que en el pentagrama se representan como la misma nota, si no, no se podrían sumar.



Puntillo:
Añade a la figura rítmica la mitad de su valor exacto, como si fuera esa figura ligada con otra de la mitad, sólo que no se puede usar entre compases.

Tresillo:
Es una transcategorización de un compás de subdivisión ternaria en uno binario, sólo abarcando las notas afectadas. Sería a grandes rasgos meter 3 donde caben 2. Su homólogo sería el dosillo o el cuatrillo para la sub. binaria.





Calderón:
Alarga una nota, silencio o división entre compases lo que quiera el intérprete, usualmente al doble, pero no es exacto.

Canción basada en Melodía Alemana

En la clase del día 1/10/2013, representamos una canción que tiene como base la melodía alemana que nos dio el profesor, Francisco, y que quedó así:

Y sonó de la siguiente manera:

Pedagogía Musical

METODOLOGÍAS PARA IMPARTIR MÚSICA EN LA ESCUELA

Las metodologías más importantes que vamos a estudiar este curso para la enseñanza musical en Primaria son (pinchar en cada nombre para obtener biografía):

• Carl Orff
• Zoltan Kodaly
• Edgar Willems
• Shinichi Suzuki

A continuación, mostramos un fragmento de la obra más importante de Carl Orff, Carmina Burana, por la que se hizo famoso en 1937. Se trata de la versión que Orff hizo del poema O Fortuna, poema goliardo escrito en latín medieval a principios del siglo XIII y dedicado a la diosa romana de la suerte Fortuna, "la que rueda". Subtitulada al español:

Sobre las metodologías

• Orff: Su trabajo de metodología musical está recogido en los cinco volúmenes de Das Schulwerk, escrito en 1930. Se basa en enseñar los elementos musicales de la forma más sencilla posible, con instrumentos que no requieran un conocimiento musical muy avanzado y una pedagogía que da importancia a la forma de ser del niño y que rechaza la teorización excesiva. Estos instrumentos, que según Orff reflejan la evolución histórica de la música, se conocen como instrumentos Orff, y son:
• Instrumentos de lámina: Carrillón soprano, carrillón contralto, metalófono soprano, metalófono contralto, metalófono bajo, xilófono soprano, xilófono contralto y xilófono bajo.
• Instrumentos de pequeña percusión: parches, pandero, tambor, bongo, pandereta, bombo, timbal, idiófonos de madera, claves, caja china, güiro, castañuelas y temple block.
• Kodaly: Su principal aportación a la pedagogía musical es el eso del folclore y el canto húngaro y búlgaro como método de acercamiento a los niños. El niño conoce los elementos de la música a través de la práctica vocal e instrumental, basándose en la lecto-escritura, la fononimia, el solfeo relativo y las sílabas rítmicas. Su sistema de enseñanza se ha venido usando en colegios y conservatorios de toda Europa.

Sílabas rítmicas

• Willems: Su punto de vista de la música es más psicológico, relaciona la enseñanza musical con la psicología del niño. Sienta las bases de la musicoterapia. Las actividades de su método se centran en el juego, con las siguientes fases fundamentales: desarrollo sensorial auditivo, desarrollo del instinto rítmico, canciones elegidas pedagógicamente y desarrollo de “tempo” y del “carácter” mediante marchas. Para profundizar sobre este método, pinchar el siguiente enlace.
• Suzuki: Este violinista y pedagogo japonés consideraba que todos los niños tiene talento musical. Su método, al cual llamó Método de la Lengua Materna, fue el primero que asegura que al niño hay que empezar a educarlo musicalmente al mismo tiempo que aprende a hablar (1 año y medio - 2 años). El instrumento de arco es el único que encuentra que se puede fabricar a un tamaño muy pequeño (como por ejemplo violines y violonchelos, existiendo en estos últimos un intervalo de distancia de quinta, DO-SOL-RE-LA en clave de FA). Para llegar a prender una melodía, debido a su complejidad, insiste repitiéndola una y otra vez.

Niña con violín fabricado a su tamaño